Tim Burton: un mundo muy particular

por Marianella Stockler

Tim Burton nació en. Burbank, California, el 25 de agosto de 1958. Sus obras fílmicas -en su mayoría caracterizadas por abordar en su temática una particular fantasía gótica, contando con la inclusión de enigmáticos personajes como protagonistas -, lo han convertido en un popular director trascendente, principalmente, por el uso de su auténtica visión angular a lo largo de su trayectoría realizadora.
Ha sido nominado en diversas ocasiones a los Premios Oscar y los Globos de Oro, aunque no se ha hecho acreedor a dichos premios. Su más reciente premiación fue por su reciente película Sweeney Todd en la 65ª edición de los Globos de Oro celebrada a principios de 2008, además de que en 2007 se hiciera acreedor al León de Oro por su trayectoria como cineasta durante la 64va edición del Festival Internacional de Cine de Venecia.

Sus comienzos :
Como colaborador de Disney
Timothy William Burton nació en Burbank, en California, siendo el primero de los dos hijos de Bill Burton y Jean Erickson. Asimismo, ha descrito su propia infancia como excéntrica, absorta y altamente imaginativa. Además, fue caracterizada por sus violentos juegos con su propio hermano, en los que escenificaban parodias de escenas marcadas por su contenido sangriento (homicidios, asesinatos, etc).
Respecto a la educación académica, simplemente era un ámbito difícilmente comprensible para el futuro cineasta, por lo que prefería, frecuentemente, escapar de la realidad de la vida cotidiana viendo películas de horror y de bajo presupuesto.[1] Otras inspiraciones mayoritarias en su vida y posteriores trabajos serían, en primera instancia, el actor Vincent Price, así como también el estilo cinematográfico stop-motion inspirado principalmente por Ray Harryhausen; las macabras fantasías literarias del escritor Edgar Allan Poe y el atormentado sentido realista de Charles Dickens.
Después de cursar la preparatoria, obtuvo una beca económica por parte de Walt Disney Pictures para asistir al Instituto de Artes Gráficas de California radicado en Valencia, California, donde estudió animación durante un plazo de tres años en el departamento de animación.
Su primer trabajo fue colaborar en la primera adaptación al mundo del celuloide de la obra literaria, El Señor de los Anillos.[2] [3] Posteriormente sería contratado por The Walt Disney Company para fungir como aprendiz de animación. A raíz de esta nueva etapa, su siguiente colaboración consistió en dibujar los conceptos predominantes en la obra El Zorro y el Sabueso. Sin embargo, su colaboración fue mal vista por los estudios, porque «sus diseños hacían ver a los personajes, -en contra de los deseos de Disney-, «como animales muertos en la carretera»», por lo que su trabajo fue cambiado íntegramente, causando la infelicidad del cineasta, quien -decidido a crear su propio trabajo-, más tarde escribiría y dibujaría el poema y las ilustraciones que conformarían la base para su célebre producción animada, The Nightmare Before Christmas.

Como animador independiente
En 1982 Burton realizó su primer cortometraje bajo el título de Vincent, una obra animada con la técnica stop-motion cuya duración fue, aproximadamente, de seis minutos y cuyo argumento gira en torno a un niño que idolatra a Vincent Price -contando peculiarmente con la narración de este último para el mismo -. Además, el poema, que conforma el relato, estaba redactado en rimas, por lo que ha pasado a considerarse como un homenaje, por parte de Burton, al escritor Edgar Allan Poe.
Pasados dos años, coordina nuevamente la creación para su segundo cortometraje titulado Frankenweenie, el cual fue estelarizado por Barret Oliver, Daniel Stern y Shelley Duvall. Filmado en blanco y negro, ha sido inspirado por el personaje literario de Frankenstein y cuyo argumento cubre los esfuerzos de un niño por reanimar a su difunto perro Sparky, el cual murió tras ser atropellado por un automóvil. Sin embargo, a pesar de sus favorables críticas en diversos festivales cinematográficos, los estudios Disney decidieron archivarla indefinidamente para evitar su distribución con la razón de que «su contenido sería demasiado fuerte para las audiencias infantiles»
A partir de estos logros, Burton realzó su inclinación por las influencias góticas combinadas en una atmósfera de romance y fantasía, otorgándole un toque distintivo y único a sus trabajos predecesores -los cuales en su mayoría, relatan las vivencias de personajes lisiados, fenómenos, seres excluidos de la sociedad o personajes populares que no se logran sentir en concordia con su estatus social.

Como director y productor
•  Vincent (1982) – cortometraje
•  Luau (1982) – cortometraje
•  Hansel y Gretel (1982) – mediometraje
•  Frankenweenie (1984)
•  La Gran Aventura de Pee-wee (1985)
•  Beetlejuice (1988)
•  Batman (1989)
•  Edward Scissorhands (1990)
•  Batman Regresa (1992)
•  Ed Wood (1994)
•  Mars Attacks! (1996)
•  Sleepy Hollow (1999)
•  The World of Stainboy (2000)
•  El Planeta de los Simios (2001)
•  Big Fish (2003)
•  Charlie y la Fábrica de Chocolate (2005)
•  Corpse Bride (2005)
•  Sweeney Todd (2008)

Curiosidades del mundo de
Burton

•Hay muchas curvas elegantes trabajadas en los diseños de muchas cosas vistas en pantalla. Los extremos de las líneas muchas veces se vuelven espirales. La más famosa de ellas es la colina en Nightmare before Christmas.
•Frecuentemente recurre a los nombres Edward, Vincent y Víctor para sus personajes principales.
•Su estilo y temas visuales están influenciados por las películas de horror de la década de 1920 a 1930, especialmente aquellas de James Whale y F.W. Murnau, junto con las películas del expresionismo alemán. Las ilustraciones de Edward Gorey son otras influencias, mientras que el motivo de cadáveres de Burton parece mostrar influencias del artista Edward Burra [2].
•Usualmente utiliza el tema de la paternidad en sus películas.
•Frecuentemente trabaja con el actor Johnny Depp. Los dos colaboraron en las películas Edward Scissorhands, Ed Wood, Sleepy Hollow, Charlie y la Fábrica de Chocolate, Corpse Bride y Sweeney Todd. Burton quería incluir a Depp en la película Mars Attacks!, en el rol que finalmente interpretó Michael J. Fox.
•Frecuentemente incluye perros muertos, payasos, mosaicos a cuadros blancos y negros, árboles torcidos, linternas de calabaza, espantapájaros, serpientes a rayas y mariposas.
•Muchas películas, como Batman Returns, The Nightmare Before Christmas, Charlie y la Fábrica de Chocolate, Corpse Bride y Edward Scissorhands están ubicadas en navidad, durante el invierno o el intercambio de regalos.
•Sus películas frecuentemente tienen escenas en las que los personajes aparecen sentados a la mesa.
•Sus películas tienen subtextos góticos.
•Personaliza el logo de la productora al principio de sus películas.
•Los créditos de entrada usualmente son en travelling. También tienden a ir sobre, a través o dentro de algún tipo de efecto visual.
•Su larga colaboración con Danny Elfman, quien ha musicalizado todas sus películas desde La Gran Aventura de Pee-Wee, excepto Ed Wood, la cual musicalizó Howard Shore.
•Sus personajes principales tienden a ser parias sociales, y son usualmente tímidos, con una complexión pálida y alocado cabello negro, similar al suyo.
•Una caricatura de Burton apareció en el Show del Plato Plucky. En el episodio -El regreso de la patocueva, el personaje principal sigue a Burton e intenta tener un personaje en Batman Returns. Burton no prestó su voz para el episodio sino Maurice LaMarche -quien, incidentalmente, proveyó la voz para el personaje de Vincent D’Onofrio y Orson Welles en Ed Wood.
•A muchos de sus personajes se les da un trasfondo concerniente a sus relaciones con sus padres, a veces como medio de explicar su comportamiento errático. Sleepy Hollow, Charlie y la Fábrica de Chocolate, y Eduardo Manostijeras son ejemplos prominentes.

{2}{3} -Fuente: Enciclopedia Wikipedia

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David Cronenberg: Una obra inquietante

por Lic. Alberto González

Cronenberg es uno de los directores actuales que más fieles han conseguido permanecer a su propio estilo ya sea, como veremos más adelante, elaborando él mismo guiones originales o adaptando los encargos que la industria le ofrecía.
A simple vista sus filmes pueden parecer un cine gore de arte y ensayo, pero esto no es más que una excusa para analizar la sicología de unos personajes en unas circunstancias lejanas a las habituales. Es uno de los principales originarios de lo que se ha denominado horror corporal, el cual explora los miedos humanos ante la transformación corporal y la infección. En sus películas, lo psicológico es típicamente mezclado con lo físico. En la primera mitad de su carrera exploró estos temas principalmente a través del terror y la ciencia ficción, aunque su trabajo hace tiempo se ha extendido más allá de estos géneros.
Para conocer a fondo el carácter de Cronenberg, que sin duda vemos reflejado en su obra, debemos retroceder hasta su infancia para conocer los dos hechos que marcan su vida: la enfermedad y el aislamiento.
David Cronenberg nace en 1943 en Toronto (Canadá) cerca de la frontera con USA y de Nueva York, lo que más adelante le permite convivir entre las dos ciudades. Su padre tenía una librería y más tarde editó una revista, su madre era pianista: libros y música marcarán su infancia y adolescencia. Da clases de guitarra durante diez años y se aficiona a las novelas de William S. Burroughs y Vladimir Nabokov. Acude durante años a un colegio judío, aunque sus padres mantienen una postura laica. Esto crea en él una gran sensación de aislamiento, de ser un outsider como más tardes serán sus personajes. El otro aspecto será la extraña enfermedad degenerativa que contrae su padre y que Cronenberg observa impotente. Este aspecto es claramente identificable con su posterior cine y en cómo casi todos sus personajes sufren un proceso de autodestrucción tanto física («La Mosca») como mental («M. Butterfly»).
En 1963 entra en la universidad, su espíritu de búsqueda lo lleva a matricularse en ciencias, pero el tratamiento de las materias demasiado académico le hace perder el interés. Un año más tarde se matricula en literatura inglesa donde sí puede desarrollar su talento artístico. Descubre el cine a través de un compañero de carrera, David Secter, que con un bajo presupuesto crea un film social de gran éxito. Cronenberg descubre así un nuevo medio de expresión para sus inquietudes: el cine.

CORTOMETRAJES Y MEDIOMETRAJES

Su primitivo aprendizaje cinema tográfico se inició con la lectura del American Cinematographer, y fue puesto en práctica en sus primeros cortos en 16mm, dentro de los que se conocen Transfer (1966), un sketch surrealista de siete minutos donde un psiquiatra es perseguido por un paciente obsesivo, y From the drain (1967), una loca historia que sucede en un futuro lejano y se centra en una discusión entre dos hombres sobre los cambios sufridos por la naturaleza, y que culmina con la irrupción de una planta que mata a uno de ellos.
En 1969 consiguió mil quinientos dólares para filmar un mediometraje underground en blanco y negro en 35mm llamado Stereo, donde comenzaron a abrirse paso sus ideas descabelladas, sus planos truculentos y los temas que lo persiguieron durante toda su carrera: el sexo, las enfermedades, el poder de la mente y las ciencias. El film es una historia futurista acerca de un supuesto Centro Canadiense de Estudios Eróticos, que practica operaciones cerebrales en siete de sus pacientes con el objeto de ampliar sus poderes telepáticos. El mismo se rodó con una tosca cámara que emitía ruido, haciendo imposible el registro del sonido en directo. Debido a este inconveniente técnico, el realizador tomaría muchos recaudos en sus futuros trabajos en la creación de elaboradas bandas sonoras, hecho que caracterizaría toda su trayectoria cinematográfica.
El estilo de su primer trabajo under continuó desarrollándose en su segundo metraje, para el cual contó con un presupuesto mucho mayor que le otorgó un ente estatal, en el marco de un programa de fomento del arte canadiense. El organismo no tenía conocimiento absoluto sobre el proyecto de Cronenberg, y de esa forma no presentó reparos en la entrega del dinero para el rodaje de «Crímenes del futuro» (1970). La acción se desarrollaba en un futuro en el que la mayoría de las mujeres eran exterminadas por el uso de cosméticos letales, creados por un dermatólogo demente, y donde una secta de paidófilos raptaba a una nena con fines oscuros.

PRIMEROS LARGOMETRAJES
En agosto del 74 empieza el rodaje de «Vinieron de dentro de…», en este rodaje Cronenberg asume ya su rol de director y releva la fotografía, cámara y otros aspectos a su equipo técnico.
El estreno del film crea un gran impacto en Canadá: la crítica lo vapulea y la taquilla es un éxito. Aunque llena las arcas de la Canadá Film Development Corp. que le había ofrecido la subvención, su nombre empieza a ser incómodo en círculos estatales, ganándose el apelativo de enfant terrible del cine canadiense .
Siempre es difícil para un director novel desarrollar un segundo proyecto después de que su ópera prima haya resultado un éxito. Cronenberg lo aborda sin arriesgar; «Rabia» su siguiente film es una extrapolación de su anterior trabajo. El film resulta un éxito comercial y es desacreditado por la crítica, aunque eso sí ,el Festival de Sitges la valora otorgándole los premios al guión y a los efectos especiales.
Su siguiente obra «Fast Company» es unos de los títulos más alejados de la temática del director. Es una película de encargo sobre carreras automovilísticas de escaso interés artístico.

SU TEMATICA
Cronenberg ha conseguido hacer siempre el cine que le ha interesado, y cuando recibía un encargo se lo llevaba a su propio terreno. Las obsesiones que se entreven en el transfondo de toda su obra pueden resumirse así:
– La misóginia. Cronenberg siempre aborda la sexualidad desde todos los ángulos: heterosexualidad, homosexualidad, fetichismo, sadomasoquismo, pederastia… Un claro ejemplo es «Crash» donde aparecen casi todos.
– La enfermedad. La degeneración es uno de los temas preferidos del autor, ya sea física como en su primera etapa («La Mosca», «Rabia»…) o psicológica en su segundo período («Inseparables», «M. Butterfly»…).
– La tecnología. Vista como un nuevo medio para lograr la evolución humana. La diferencia entre lo orgánico y lo inorgánico, como el hombre se fusiona con la tecnología que ha creado: «Videodrome», «Crash», «eXistenZ»…

Las pasiones corporales de Frida Kahlo

 por Anahí Almasia

Frida Kahlo y el estudio de su vida resultan de sumo atractivo para realizar un acercamiento al estudio psicoanalítico de algunos fragmentos discursivos y plásticos, ligados tanto a la neurosis traumática, a las adicciones como a una caracteropatía histérica. Fue esposa de Diego Rivera, famoso muralista mexicano; con quien mantenía una relación marcada por los celos y la oscilación de la pasión a la indiferencia. Tomaremos en consideración especialmente los aspectos ligados a una forma del amor, el amor pasional como expresión de una gama de afectos hiperintensos y con pocas variaciones. De la misma forma, considero que esta forma específica en que esta pareja concebía su unión, es expresión de una particular manera del procesamiento pulsional que los dejaba a merced de los mismos afectos que propugnaban. Sin embargo, en esta ocasión me dedicaré específicamente a la pasión tóxica en Frida.

Los cien años de Drácula : de la literatura al cine

por Lic. Waldo García

En el mes de junio se cumplieron cien años del nacimiento de Drácula, que a pesar de que fue muerto con una estaca en el corazón, siempre retorna con la misma atracción del siglo pasado. las ediciones se siguen reproduciendo, para pasar a ser una obra clásica universal e inmortalizada por el cine.
Debido a que el personaje Drácula ha cobrado vida propia, ha oscurecido la extraordinaria y sólida narrativa desarrollada por Bran Stoker. Tal es el caso de las quince obras más que ha escrito y han pasado al olvido.

Leonardo Favio: la estética en el cine argentino

por Waldo García

Leonardo Favio reúne varias características que lo ubican entre los mejores directores que ha dado el cine nacional; algunas de ellas son: su sobresaliente estilo y estética que ha revolucionado al cine local, su enorme capacidad para transmitir una gran carga de sensibilidad y emotividad, la influencia de grandes directores del mundo y tener como maestro a Torre Nilsson.

Recordando a Andrei Tarkovsky

“Es pecado todo lo innecesario. En todo caso, nuestra civilización está construida sobre el pecado, una total falta de armonía, un desequilibrio entre nuestro desarrollo material y el espiritual. Nuestra cultura es imperfecta. Nuestra civilización es esencialmente imperfecta. Tendríamos que estudiar el problema y buscar juntos una solución. Quizás ya es tarde….. demasiado tarde”.(Diálogo de Alexander al hijo, en la película El Sacrificio.)

Eliseo Subiela: el cine hecho poesía

El gran director ruso Tarkovski solía decir que en el cine hay dos tipos de directores, los que imitan al mundo en que viven y los que crean su propio mundo y que denominaba “los poetas del cine”. Entre estos últimos incluía a Bresson, Bergman, Buñuel, Kurosawa, etc. No es arriesgado decir que Eliseo Subiela se embarcó dentro de los directores poéticos del cine, irrumpiendo con maestría y originalidad en el cine nacional.
Subiela nació en Buenos Aires en 1944, tuvo un fugaz paso por Filosofía y Letras y por la Escuela de cine de La Plata. La ansiedad por filmar lo llevaría a realizar su primer corto “Un largo silencio”(1963) a los 19 años.
Con este corto logra El Gran Premio al mejor cortometraje en el III Festival Internacional de Viña del Mar.
En esa época Leonardo Favio quería realizar su primer film como director y necesitaba ayudantes, sería María Vaner quien los relacionaría; de esta manera su primera experiencia como ayudante sería “Crónica de un niño solo”. La siguiente experiencia como ayudante fue “Esquiú, una luz en el sendero” de Ralph Pappier.

Win Wenders

por Waldo García

Wenders es un singular cineasta que en un momento fue respetado por sus colegas y críticos, hasta considerarlo en sus comienzos como uno de los directores de mejor futuro, pero luego todo se volvió en su contra, especialmente fueron los críticos los encargados de condenarlo, hasta considerar que su obra no es de gran valor.
Para el público masivo las obras que le valió la admiración fueron: “París Texas” y “Las alas del deseo” pero su falta de promoción han hecho que otras obras quedaran ignoradas, siendo verdaderas obras de arte.
Revisando su obra, uno puede concluir que Wenders es un director que aportó elementos originales y propios a la estética cinematográfica, lo mismo se puede decir de su narración pero esto fue producto de una incesante búsqueda e investigación de su principal conflicto, que consistía en cómo se cuenta una historia y como rescatar al cine clásico de la muerte del cine.
Wenders es uno de esos directores talentosos que seguramente no va a pasar al olvido,  si bien ha realizado películas magistrales y otras regulares es necesario conocerlo para comprender el por qué de su búsqueda.

Voces femeninas

por Lic. María A Camino

Cine y Literatura: dos mundos, dos oficios históricamente masculinos.
Sin duda, esta idea ubicó a la literatura y al séptimo arte en una dimensión fuertemente marcada con el sello viril, con aquello que las feministas de fines de los sesenta definieron como «mirada androcéntrica».
Innumerables son las películas que tienen como protagonistas a mujeres. Incalculables, los autores que han escrito sobre ellas. Muchos han tenido la capacidad de internarse en la mentalidad femenina, en sus prejuicios, sentimientos y pensamientos. Sólo unos pocos han logrado reflejarla con absoluta fidelidad. En este sentido, existen inolvidables personajes femeninos como aquella Molly Bloom  del último capítulo del Ulyses de James Joyce o la Pepa de «Mujeres al borde de un ataque de nervios» de Pedro Almodóvar.
Sin embargo, no hay nada más temible que el cine y la literatura de mujeres sobre las mujeres. Con la visión femenina, estas artes adquieren un carácter revelador, íntimo, confesional para dar un testimonio único de lo que hace, cree, siente y piensa el llamado «sexo débil».
María Luisa Bemberg y Elena Poniatowska son dos mujeres que saltaron al mundo de la creatividad, que se convirtieron, con mucho esfuerzo, en ejecutoras de su propio arte, de sus propias palabras; que no se sometieron al antiguo miedo al silencio, que se decidieron y gritaron a través de su arte.
Así, Bemberg con su cámara y Poniatowska con su pluma se propusieron dar luz a determinados rostros históricamente olvidados y dar voz a determinantes silencios milenarios.
Por ésto, existe entre ellas una evidente vinculación que no es sólo temática, porque tanto la obra de Poniatowska como la de Bemberg revelan la misma preocupación: el papel que ha jugado la mujer en la sociedad patriarcal argentina y mexicana.
Elena Poniatowska ha elegido para sus crónicas y novelas a mujeres sin nombre que vienen a gritarnos su dolor, cada una de ellas es prototipo de la mujer mexicana que lleva la marca de la miseria y el silencio.

Quién es Von Trier?

por Lic. Waldo garcía

En los últimos meses Lars Von Trier nos  ha sorprendido con su última película “Contra viento y marea”, segundo film de este notable director que podemos disfrutar en nuestro país. Anteriormente fue “Europa”.
Si bien ahora lo estamos conociendo por nuestras latitudes, ya hace años que ocupa un lugar destacado en Europa, especialmente en Francia.
Von Trier nace en Dinamarca en 1956 y se gradúa en la escuela de cine de su país en 1980. Ha  realizado 8 filmes en donde demuestra su progresiva y notable evolución, también ha realizado infinidades de cortos comerciales y videos clips para bandas de rock.
Su producción comienza con dos cortos “Nocturne”(1980) y “ El último detalle”(1982), continuando con “Images of a relief”(1982), “The element of crime”(1984), “Epidemia”(1986), “Medea”(1988), “Europa”(1991) y “Contra viento y marea”(1996).
“Nocturne” y “El último detalle”, son dos cortos que Von Trier realiza terminando sus estudios de cine. Nocturne es premiada en el festival de Munich y según su director, se inspira mirando un noticiero sueco en que estaban pasando imágenes de “El espejo” de Tarkovski, imágenes que lo dejan sorprendido, catalogándolas de “otro planeta.”
En 1982 llega su primer largometraje, ”Imágenes de la liberación”, se trata de las vivencias de un oficial alemán durante el día de su liberación.
Esta película generara muchas controversias y lo acusaran de romantizar el nazismo. Pero se destacará por el tratamiento que le dará a las imágenes con cierto contenido onírico y además contendrá, un elaborado lenguaje en sus diálogos.
Su primer film comercial es “He element of crime,” es un thriller de  ciencia ficción pos apocalíptico. Este film se vende en 32 países y logra el premio a la innovación tecnológica en el festival de Cannes.
“He element of crime” constituirá una trilogía junto a “Epidemia”(1986) y “Europa”(1991). Estos tres film se subtitularán como “sustancia inorgánica”, “ “sustancia orgánica” y “sustancia conceptual” respectivamente.
Si bien estos filmes no se parecen, el hilo conductor parece ser la búsqueda de un idealista que trata de ayudar a la gente y su posterior fracaso, temas como la razón, el conocimiento, y la comprensión.
En 1988 filma para la televisión danesa una versión del drama de Eurípides, “Medea”, con el cual obtiene muy buen éxito y le permitirá financiar un proyecto mayor como fue “Europa”.
“Europa” es un excelente película, con una historia sencilla y pasional en apariencia y con imágenes brillantes de fuerte poder hipnótico.
Finalmente llegara “Contra viento y marea”, donde podemos apreciar la enorme evolución de Vos Triar . En este film aborda la locura, el sexo, la religión y el sacrificio amoroso con envidiable profundidad y repite el virtuosismo visual de “Europa”.
Esta obra le permite a VON TRIER ubicarse entre los mas grandes directores del momento, éxito logrado con la búsqueda y la evolución de un estilo propio.