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Arvo Part: Lo bello y lo triste

por Lic. Waldo García

Quienes amamos la música sin prejuicios, quedamos sorprendidos ante compositores contemporáneos que tienen como finalidad conmover todos los sentimientos humanos, podemos mencionar a Preisner, Karaindrou y Arvo Part. Este último es responsable de transmitir notas musicales de una belleza sublime, de convertir lo triste en bello, de lograr conmover el alma del oyente, descubrirlo es transportarse en un mundo desconocido del cual no se desea regresar. Aunque nacionalizado austríaco desde 1980, Arvo Pärt nació en Paida (Estonia) el 11 de Septiembre de 1935. Sus estudios musicales comienzan en 1954, en la Escuela Media de Música de Tallin, aunque estuvieron interrumpidos durante casi un año mientras cumplía como oboísta y tambor en una banda militar haciendo el Servicio Nacional. Leer más…

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Luis Alberto Spinetta

julio 22, 2008 3 comentarios

por Leandro Navarro


Luis Alberto Spinetta, nacido el 23 de enero de 1950 en Buenos Aires, también conocido como “El Flaco”, es un músico, poeta y compositor argentino de rock. En sus letras podemos ver la influencia de escritores y poetas como Artaud, Rimbaud, Van Gogh, Jung, Freud, Nietzsche, Foucault, Deleuze y muchos más, siendo uno de los letristas y músicos más complejos de la historia del rock. Es además, probablemente junto a Charly García, el más influyente músico del rock argentino.
Su infancia transcurrió en el barrio de Belgrano, más precisamente en el llamado “Bajo Belgrano”, cerca del club “River Plate” de quien es hincha confeso. Desde pequeño tuvo un fluído contacto con la música; su padre cantaba tangos y su tío – quien trabajaba por entonces en una empresa discográfica – los abastecía de las últimas novedades musicales. Luis Alberto comenzará tempranamente a cantar y a tocar la guitarra, debutando en TV a la edad de 14 años. El descubrimiento de los Beatles cambiará su vida.

ALMENDRA
Los cuatro integrantes de la banda eran compañeros del Instituto San Román. De la unión de las bandas Los Sbirros y Los Larkings nació Almendra allá por 1967. Este grupo es considerado miembro de una trilogía inicial del rock argentino, junto a Los Gatos y a Manal.
El primer simple, “Tema de Pototo” / “El mundo entre las manos”, fue lanzado en septiembre de 1968 y la repercusión inmediata provino del estilo refinado, los arreglos vocales poco comunes y la poesía lírica de las letras, que contrastaban con los estribillos del beat de moda. Los primeros shows fueron en Rosario y Córdoba, acompañando a Johnny Tedesco. «Nos mandaban a tocar a clubes donde la gente quería ver a Los Iracundos o a Jolly Land y nosotros ibamos vestidos con camisetas, cuando los otros tipos iban con trajecitos de lamé y corbatita. (…) Para nosotros era como una cruzada abriendo orejas», relata Del Guercio.
En 1969 llegó la consagración, con innumerables presentaciones en vivo, entre las cuales sobresalen la temporada veraniega en Mar del Plata, el Festival de la Canción de Lima, Perú, y el Festival Pinap, organizado por la revista homónima. Todo este éxito los catapultó a grabar el primer LP Almendra en 1969, y casi inmediatamente, el segundo disco, Almendra 2 de doble duración, en 1970. Esta repercusión repentina los condujo a interminables giras y shows, que desgastaron la relación entre los músicos. A fines de 1970, Almendra se disolvía.
En diciembre de 1979 se produjo el reencuentro. A instancias del productor Alberto Ohanián se organizaron dos presentaciones en el estadio de Obras (en los cuales se registró un disco en vivo y se filmó para una película que nunca llegó a compaginarse) y una gira nacional que abarcó las grandes ciudades del interior. La prensa especializada calificó despectivamente al regreso de Almendra como “comercial”.
Almendra tuvo un segundo regreso hacia fines de 1980, cuando grabaron “El valle interior” y lo presentaron en Obras los días 7 y 8 de diciembre como prólogo a una gira nacional. La última presentación fue en el Festival de La Falda, el 15 de febrero de 1981.

PESCADO RABIOSO
Tras la disolución de Almendra y la edición de un álbum solista, Luis Alberto Spinetta encara su nueva banda: Pescado Rabioso, que fue presentada ante la prensa en octubre de 1971, aún antes de bautizarla.
Para la grabación del primer disco, “Desatormentándonos” en 1972, Carlos Cutaia se había incorporado como tecladista y David Lebón había reemplazado a Bocón. El segundo disco de la agrupación, “Pescado 2” sería doble, lo que duplicó también los problemas de producción habituales en las discográficas argentinas de la época. Esos inconvenientes derivaron en roces internos que culminaron con la disolución de la banda. Este sería el último disco de la agrupación, ya que “Artaud”, aunque acreditado a Pescado, es en realidad de Spinetta solista.

INVISIBLE
Tras la disolución de Pescado Rabioso y de grabar “Artaud” como solista, Luis Alberto Spinetta funda Invisible, con la base rítmica de Pappo’s Blues. La primera presentación fue en el teatro Astral, en noviembre de 1973. Pocos meses después editan el primer simple y el primer álbum, llamado Invisible.
Invisible se recluyó cada vez más en sus ensayos y abandonó las presentaciones en lugares chicos: sólo aparecían en grandes teatros o estadios, nunca en festivales. Tras un largo silencio, anticiparon “Durazno sangrando” en 1975 en el teatro Coliseo.
Un cover de “Amor en primavera”, el tema de Tanguito, fue casi la única señal de vida de Invisible hasta el tercer y último disco, “El jardín de los presentes” de 1976, que tiene en el tema homónimo no sólo su canción principal, sino también un clásico del Rock Nacional. Este material tiene una influencia del tango-rock, que estaba en auge. Para su presentación en vivo convocaron al bandoneonista Rodolfo Mederos.

SPINETTA JADE
Jade es la agrupación que forma Luis Alberto Spinetta tras la disolución de Invisible y paralelamente a los reencuentros de Almendra. Si bien musicalmente se continúa con el estilo de Invisible, Jade profundizó la complejidad de las composiciones.
El debut se produjo el 3 de mayo de 1980, junto a Emilio del Guercio y la Eléctrica Rioplatense, en el estadio de Obras Sanitarias. “Alma de diamante”, el primer disco, fue presentado en ese mismo escenario en agosto y en setiembre regresaron a la Catedral del Rock para realizar un concierto junto a Serú Girán, considerado por la crítica como “el evento musical del año”. Era un hecho histórico que dos grupos de semejante magnitud estuvieran simultáneamente en el escenario. El show comenzó con Spinetta cantando el tema de Sui Generis “Cuando ya me empiece a quedar solo”. Luego, de la oscuridad, surgió Charly con el tema “Que ves el cielo”. Bajo un clima enfervorizado, Lebón interpretó “Música del alma” y luego entraron todos los demás: Aznar y Moro, por un lado, Spinetta, Pomo, Satragni y Rapoport y Del Barrio por el otro. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando “El mendigo en el andén” y “Crisálida”. La actuación de Spinetta Jade fue muy aplaudida, pese a su difícil estilo. Fue notorio el esfuerzo de Spinetta por lograr mayor simpleza en su música, para que el público de Obras pudiera entender su mensaje. Serú Girán, en cambio, fue ovacionado desde el comienzo, dejando en evidencia el increíble «feeling» que tenía con la gente.
El creciente éxito de la banda se vio frenado momentáneamente por el segunto retorno de Almendra y la posterior gira nacional que culminó en el Festival de La Falda, el 15 de febrero de 1981. A mitad de ese año grabaron la segunda placa, “Los niños que escriben en el cielo”, presentada el 5 de diciembre en Obras.
A partir de 1982 las presentaciones de esta banda se volvieron más esporádicas debido al trabajo solista de Spinetta, que editó dos álbumes: “Kamikaze” y “Mondo di cromo”. Justamente este trabajo fue presentado en el Teatro Coliseo junto a “Bajo Belgrano”, el tercer disco de Jade. El siguiente trabajo discográfico del grupo sería “Madre en años luz”, que fue tocado en vivo por primera vez en los conciertos organizados por la Municipalidad de Buenos Aires en las Barrancas de Belgrano, en el verano de 1985, con Pedro Aznar como invitado y ante 20.000 personas. La presentación de este trabajo discográfico en el Luna Park, en mayo, marcó el final de la banda.

SOLISTA (70’- 80’- 90’)
Spinettalandia y sus amigos es un álbum de Luis Alberto Spinetta solista, grabado en el año 1971 luego de dejar Almendra y antes de formar Pescado Rabioso. Un disco “hippie”, en cuanto a la grabación al sonido y a la concepción, y a la vez una travesura de Luis… para desligarse de su compañía discográfica… Disuelto Almendra, – y tras su duro paso por Francia – Spinetta ingresa en la transición que denota este album y en las dualidades y riesgos que implicaban el largarse solo.
El disco Artaud de 1973, si bien aparece como un álbum de Pescado Rabioso, es en realidad un disco de Spinetta solista, que grabó con algunos invitados,entre ellos su hermano Gustavo quien toco la batería, aunque la mayoría de los instrumentos y las voces le pertenecen. Está inspirado en la poesía del escritor francés Antonin Artaud de quien Spinetta siempre se ha declarado fanático absoluto. Vale destacar que en la portada original del álbum figura una fotografía del escritor y que su diseño “irregular” ( deja de lado el tradicional cuadrado) fue el primero de su tipo.
En 1977 editaría un disco junto a varios músicos reunidos bajo el nombre de Banda Spinetta, “A 18’ del sol”. A pesar de su escasa difusión, este es una de las obras más sofisticadas y de mayor calidad de Luis Alberto Spinetta. Se trata del álbum más cercano al Jazz fusion, en donde sobresalen la impecable ejecución y el virtuosismo de Spinetta y sus músicos. La atmósfera del disco alejada del rock, es delicada y suave. El estilo poético de Spinetta se expresa claramente en este disco, cuyas letras, carentes de toda alusión a la realidad de la época, son de carácter atemporal y profundo.
Con el apoyo del tenista Guillermo Vilas, en 1979 graba en Estados Unidos, y con musicos estadounidenses, su primer y único álbum en inglés Only Love can sustain. Incluyendo varios temas de otros autores y con carácter más comercial que el de los discos predecesores, este álbum no refleja el verdadero estilo de Spinetta, según sus propias palabras.
En 1982 edita Kamikaze, un álbum de rock de carácter acústico. En este cd el tema Kamikaze se refiere a los suicidas kamikazes de la Segunda Guerra Mundial. Desde hace ya muchos años el disco se encuentra fuera de catálogo.
Mondo di cromo fue editado en 1983, en donde “el flaco” vuelve al estílo eléctrico que no había tenido en Kamikaze un álbum acústico con poca crítica. Fue presentado junto con Bajo Belgrano, disco de Spinetta Jade
Para 1985 estaba previsto un disco a dúo con Charly García, pero únicamente se llegó a registrar el tema “Rezo por vos”, incluído en “Privé” el siguiente álbum de Luis Alberto, que incluye también “No seas fanática”, con León Gieco. El proyecto que sí se concretó fue “La la la” en 1986. La edición original del álbum, editado en formato LP, contenía 20 temas distribuidos en dos discos. Sin embargo en su posterior edición en CD fue removido por cuestiones de espacio, el último tema, Hay otra canción. En septiembre de 2007 se reedita el disco en formato CD con todos los temas originales desde su edición en vinilo con nuevo diseño.
Tras dos años de silencio, Spinetta salió nuevamente con “Téster de violencia”, «el primer álbum relativamente conceptual en mucho tiempo. Diría que desde “Durazno sangrando” que no puedo conceptualizar varios temas y ponerlos todos al servicio de una misma temática, si bien cada álbum pareciera tener su unidad interna… La unidad de “Téster…” es el sentido de qué somos. Nuestro mismo organismo, nuestro cuerpo, es nuestra única forma de delirar o de poner los pies en la tierra», reflexiona el autor. El álbum fue el mejor del año, según el Sí de Clarín, y el tema “El mono tremendo” ganó en su rubro.
Luego editó “Don Lucero”, también seleccionado como Mejor Disco, al igual que el tema “Fina ropa blanca”. En 1990 llegó el primer disco en vivo de Spinetta solista: “Exactas”, grabado en la Facultad de Ciencias Exactas de la UBA, con grandes invitados como Javier Malossetti.
Por tercera vez en cuatro años, Spinetta compuso el Mejor Disco del Año, “Pelusón of milk” en 1991 y la Mejor Canción, “Seguir viviendo sin tu amor”. Este disco «llevó mucho tiempo -cuenta-, porque hice todo solo. Hay algunas intervenciones de músicos de mi banda, pero lo hice casi todo yo. “Pelusón” se parece a Spinetta de entrecasa… Hay canciones acústicas, las melodías son frescas, tiene una buena selección de material… Como para que sea entendido».

SPINETTA Y LOS SOCIOS DEL DESIERTO
En 1994 compuso la banda de sonido de la película “Fuego Gris”, dirigida por Pablo César, para luego dedicarse a Los Socios del Desierto, un trío integrado además por Daniel “Tuerto” Wirzt (batería) y Marcelo Torres (bajo). Al frente de esta agrupación realizó una minigira nacional y tocó en el teatro Opera, en el Mejor Show del Año, según las encuestas. En marzo de 1996 saldó lo que él mismo calificó de «una vieja deuda con el público»: tocar gratis y al aire libre, en los bosques de Palermo.
Luego de varios años y peleas con las compañías discográficas, Spinetta editó un disco doble, titulado simplemente “Spinetta y los Socios del Desierto”, con los temas que ya había presentado en vivo. Con una gráfica excepcional, este CD alcanzó rápidamente el tope de los charts.
Estrelicia MTV Unplugged es un álbum grabado en vivo en los estudios de MTV en Miami en el año 1997 por Luis Alberto Spinetta con los Socios del Desierto mas otros dos invitados que ya tocaron con Spinetta. El recital tiene dos versiones ya que el concierto original fue más largo de lo esperado por lo que se hizo un show mas corto que fue el grabado a CD. En el video el último tema es “Ludmila”, pero en el CD se decidió incluír un inédito instrumental de nombre “Garopaba”.
San Cristóforo la antítesis de Estrelicia. En una conferencia de prensa previa al concierto, Spinetta advirtió: “… Amantes de lo acústico, abstenerse… “ Es una fotografía, una instantánea de los tiempos que corrían y del poder y ductilidad inmensa de este trío de “socios” en vivo y en todo su esplendor. Es notable que en años de aridez, de desesperanza, de dolor; la obra de Spinetta se torne belicosa, agresiva, pero sin prescindir de la belleza, de la lírica…
Los “Socios” generan una energía shockeante e imprescindible, en tiempos donde la “nada” predomina… demostrando a su vez, la enorme capacidad de estos músicos impresionantes… que navegan comodamente entre la sutileza etérea del sonido “Estrelicia” a la furia lograda en este album.
En Los ojos debido a cuestiones personales Spinetta refleja una instrospección y una melancolía manifiesta.
Pese a estar con los Socios del desierto, prescinde de utilizar al tope su poder y se concentra en las palabras,en los climas, es un disco doloroso. Con una belleza eterea sutil y con una gran tristeza contenida.

SOLISTA (90’ – 00’)
Fuego Gris el disco más desconocido de Spinetta, compuesto para la película del mismo nombre. Tiene maravillas como “Dedos de mimbre” y varias joyas más que merecen ser oídas. En este album, asume su condición de multiinstrumentista, ejecutando el bajo en todo el album, además de guitarras y programaciones varias. Luego editara Elija y Gane un compilado de temas de “casi” todos los períodos musicales, seleccionados por el propio Luis, abarcando fundamentalmente su etapa solista “post-Invisible”, más la inclusión de “Muchacha ojos de papel”, el “único” tema de sus primeros años de carrera.
“Silver sorgo” significa el regreso de Spinetta al disco después de años de silencio y varias recopilaciones. Contiene 12 temas que comenzó a componer en 1998. Este material fue presentado en vivo a fines de año, y registrado en vivo para el disco “Argentina Sorgo Films Presenta: Spinetta Obras” en el 2002.
Con “Para los árboles” editado en 2003, Spinetta regresa a los teclados, a los pasajes instrumentales y coquetea con lo electrónico, para homenajear a las bellezas de la Naturaleza más allá de la mirada humana.
“Camalotus”, un EP de cuatro temas, fue presentado en un minirecital en la FM Rock & Pop. Está integrado por tres creaciones inéditas: “Cristantemo”, “Buenos Aires alma de piedra” y “Nelly, no me mientas”. Además, hay un remix de “Agua de la miseria”, a cargo de Rafael Aracaute. Además, viene acompañado por un DVD con los videoclips “Correr frente a ti”, “El enemigo” y “Tonta luz”, dirigidos por Eduardo Martí.
En 2006 edita “Pan”, álbum en el que recupera el sonido propio de Spinetta Jade, especialmente en los teclados tocados por Claudio Cardone. La banda se completa con Nerina Nicotra en bajo y Sergio Verdinelli en batería.
Actualmente, esta terminando la mezcla de su nuevo trabajo: “Un Mañana”

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Categorías:Música

Las bandas de sicuris andinos

por Prof Silvia Domenech

Poblada de sonidos que vale la pena escuchar, la entrañable   «América Profunda» de la que hablaba Kusch sobrevive en cantos, ritmos, melodías  e instrumentos musicales que perduran obstinadamente a través del tiempo. Tal es el caso de las  bandas de sicuris andinas, que llegaron hasta nuestros días manteniendo muchas de sus características distintivas.
Existen en la actualidad numerosos géneros de bandas en  Perú, Bolivia, Argentina y Chile. Su  origen se remonta a  los pueblos aymarás, que  unificados internamente por una misma tradición cultural y una misma lengua,  habitaron la cuenca del lago Titicaca entre los años 700/1.000 d.C. Posteriormente fueron anexados al incario aportando estos  sonidos ancestrales, de lo que da testimonio suficiente el  Inca Gracilazo de la Vega :  « De música alcanzaron  algunas consonancias, las cuales tañían los indios Collas, o de su distrito, en unos instrumentos hechos de cañutos de caña, cuatro o cinco cañutos atados a la par; cada cañuto tenía un punto más alto que el otro, a manera de órganos (…) cuando un indio tocaba un cañuto, respondía el otro en otra consonancia y el otro en otra, unas veces subiendo a los puntos altos y otras bajando a los bajos, siempre al compás (…)» (1)
La tradición oral nos remite a Italaque ( hoy Provincia de Camacho, Departamento de la Paz, Bolivia) y Charazani ( hoy Provincia Bautista Saavedra, del mismo departamento)   de donde se cree que provenían estos  músicos que acompañaban en su peregrinar a sus  vecinos Kallawayas, sanadores o chamanes trashumantes.
Seguramente  las bandas de sicuris formaban parte de representaciones simbólicas complejas y es muy probable también que el tipo de respiración que requiere este instrumento haya favorecido la búsqueda de estados de trance o de catarsis emocionales. Por ejemplo, el ritmo  de los   K’antus de Charazani exige  la retención del aire y una expiración muy lenta para prolongar el sonido, mientras que en otros casos se requiere una  respiración rápida con mucho trabajo abdominal. Ambos tipos de respiración intensificados voluntariamente producen alteraciones fisiológicas que pueden conducir a estados de modificación o ampliación de conciencia.
También resulta interesante observar que  las características del  instrumento y la forma en que se toca, hablan por sí mismas  del modo en que los andinos concebían todas sus  formas de interacción: consigo mismos, con los otros, con el mundo y con lo sagrado.
El sikus  está compuesto  por un juego de dos hileras de tubos de caña, dispuestos en forma escalonada cuyos sonidos se complementan en la melodía. Se conocen  con el nombre de «ira» ( «el que inicia», de 6 tubos) y «arca» ( «el que da continuidad», de 7 tubos), también llamados «amarro femenino» y «amarro masculino» respectivamente.
En el folklore  actual  es  común ver que muchos músicos  tocan las dos hileras a la vez en forma solística, pero no se trata aquí del instrumento tradicional. En él cada  amarro  posee a su vez una hilera de tubos abiertos que no se sopla,  sino que  cumple la función de resonador. Esto hace imposible que un solo músico pueda tocar las dos partes a la vez y que forzosamente tenga  que  «parear» con el complemento, formando así díadas de un 6 y un 7 que, al interactuar, producen la melodía.
Esta forma particular de «pregunta-respuesta»o «sikus abierto» nos habla de un verdadero «encuentro» de polaridades antitéticas, un auténtico  «tinku», nombre que recibía  también  la danza con la que se presentaban entre sí las  comunidades antes   de realizar cualquier actividad conjunta.  En ella los hombres medían sus fuerzas unos frente a otros,  dramatizando el «supuesto»  conflicto con verdaderos pechazos y golpes al aire, usando cascos de cuero para protegerse de posibles aciertos. Las mujeres  los alentaban con gritos al compás de la música  rodeando la escena,  que se desarrollaba en un espacio  sagrado concebido como «huaca» o lugar donde el  tinku se hacía presente.
En síntesis,  las bandas de sicuris reafirmaban simbólicamente dos principios vitales del mundo andino: la reciprocidad y la complementariedad como manifestaciones del orden cósmico y modelos a seguir en el comportamiento social.
Las partes del instrumento nos hablan del carácter complementario de la interacción entre polaridades. El «parear» con el otro dice del conflicto esencial o antagonismo del que deviene la fuerza creadora de la vida,  y por último la melodía representa  la búsqueda de equilibrio o compensación, que más tarde o más temprano, siempre sucede.
Cada vez que una banda de sicuris despliega en el aire sus profundos sonidos, América Indígena vuelve a vibrar y pide ser escuchada.
Actualmente las bandas de sicuris están muy generalizadas en Argentina, sobre todo en Jujuy y Salta. Como producto del sincretismo con la religión católica, son infaltables en las procesiones en honor a la Virgen, los santos patronos y  todas las celebraciones del calendario litúrgico.
También  podemos verlas  en Buenos Aires, por ejemplo en el Mathapi  que desde algunos años se viene realizando con mucho esfuerzo por iniciativa de un grupo de músicos independientes. Se celebra en el mes de Agosto, en el Parque Los Andes y convoca bandas de sikus de todo el país y del exterior.
En las nuevas bandas mestizas la música fluye entre  distancias culturales,  heridas del pasado histórico y del presente,  identidades y  diferencias de todo tipo, pero fluye…. Y mientras esto sucede, el  sonido del  aire vibrando en las cañas manifiesta su  espíritu y su  poder de  nuclear, unir, alegrar y curar.
Por mi parte,  siempre que participé en una banda de sicuris  sentí que  la música «negociaba» simbólicamente y  mejor que las palabras,  el reconocimiento de un sentimiento de igualdad esencial… y abría conciencias.  Sigo creyendo  que las utopías no han llegado a su fin y que se materializan en todo proyecto colectivo como producto de un auténtico encuentro, en el poder del sonido para  el despliegue creativo de las personas,  en la posibilidad de soñar una sociedad más justa y más integrada y sobre todo en  la lucha por la individuación que nos permita superar la alienación de nosotros mismos.
Es como dice Eduardo Galeano:
« Camino diez pasos
y ella se aleja diez pasos.
Camino cien pasos
y ella se aleja cien pasos.
Es inalcanzable…
como el horizonte…
Entonces ¿para qué sirve la utopía?
Para eso sirve…
Para seguir caminando»

(1)    Inca Garcilazo de la Vega «Comentarios Reales» Ed. Plus Ultra  Bs. As. 1980 pág.32
Vega, Carlos « Instrumentos musicales aborígenes y criollos de la Argentina»- Ensayo sobre las clasificaciones universales- Un panorama gráfico sobre los instrumentos americanos-  Ed. Centurión Bs. As. 1984

Silvia Domenech es Profesora de Filosofía  en  escuelas polimodales de la Provincia de Buenos Aires. Capacitadora docente en Educación Intercultural   (C.I.E. Tres de Febrero)-
Alfabetizadora  musical e intérprete de instrumentos aborígenes y criollos.  Integró los conjuntos instrumentales Yuyaimanta, Kay Pachamanta y Wamani.
Coordinadora de talleres  teórico/vivenciales de integración y vincularidad, basados en la  literatura oral y la música de los pueblos originarios de América.

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Dificultades para la interacción musical

por Oscar Mario Iovanetti

Anteriormente, nos referimos escueta  y directamente a dos géneros musicales; el rock y el jazz. Pero el universo musical es infinitamente diverso, por lo que vamos a tratar de dar un pantallazo sobre la dificultad de emparentar distintos géneros musicales. Se ha desatado una  especie de moda, que como toda moda pasa y se modifica constantemente y consiste en fusionar ritmos muy disimiles con el fin de crear una corriente musical creativa, pero en la mayoría de los casos, no consiguen su cometido y caen en la simpleza de mezclar  y no crear música. Leer más…

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Lorena Mckennit y Enya: dos mujeres por los caminos celtas

enero 27, 2008 5 comentarios

Lorena McKennittCanadiense, hija de granjeros y con algunos hechos de su vida que la fueron llevando hacia la música.
De niña practicaba danzas tradicionales de Escocia pero un accidente automovilístico le impiden por un tiempo estar activa. Pero su amor por el arte hace que se encuentre con la música y gracias al piano que le regala su abuela.
Es así como comienza sus clases de música  y de canto lírico, para despedirse definitivamente de la danza. Leer más…

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Nick Cave: restos de memorias

    •  por Jusé Navarro

        Es ya sabido que solo los verdaderos dedicados a su trabajo y los que sienten realmente lo que expresan, son aquellos a los que el tiempo les da la razón.

        Es difícil hablar de un artista como Nick Cave, pero es cierto que su obra ya pertenece al patrimonio del rock.
        La fiesta de cumpleañosNicholas Edward Cave, vio la luz en 1957, en Melbourne, Australia. A los 16 años decide con unos amigos de la escuela, solo por distracción, formar una banda llamada “The Boys Next Door”, banda que dada las características geográficas y el pensamiento “new wave” del momento, no llegó causar mucho impacto en el público, pero sería el germen de lo que vendría después de cambiar el nombre por el de “The Birthday Party”. Leer más…
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El rock progresivo en Hungría

por Lic. Waldo García

Como venimos anunciando en Abraxas, se está generando un importante movimiento dentro del rock sinfónico y progresivo que es semejante al de los 70 en cuanto calidad y cantidad, con la única diferencia que la falta de difusión no permite que esta extraordinaria música  sea conocida por mucha gente. En todas partes están surgiendo bandas de este género y hoy nos vamos a referir a Hungría; país del cual generalmente no tenemos muchas noticias con respecto a su movimiento cultural, pero en los últimos tiempos hay un importante surgimiento de bandas de rock progresivo/sinfónico, entre las que se destacan Solaris, After Crying, East, You and I y varias más. Leer más…

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